En Paris, en un principio, frecuentó la escuela del Louvre, pero posteriormente se fue acercando a las corrientes artísticas del momento, que lo condujeron hacia la abstracción, donde se mantuvo hasta 1968 año de la revolución estudiantil en París, denominada “mayo 68”.

Sobrado, para ilustrar estos acontecimientos, que tuvieron eco mundial y que él vivió de cerca, volvió a la figuración, donde ya se quedaría definitivamente.

En el conjunto de la obra de Sobrado, lo primero que llama la atención es la importancia concedida al dibujo. Un dibujo que se hace realidad mediante una línea sobria y exquisita que, armónicamente, va organizando los distintos planos, creando transparencias y unificando formas.

La precisión de sus dilatados trazos desde los primeros momentos nos descubre una mano acostumbrada o mejor entregada a la autodisciplina, al trabajo constante y al deleite de la reiteración de las formas. Y es que para Pedro Sobrado el dibujo fue desde siempre una forma natural de comunicación.

Al considerar la potencia del dibujo, se tiene la certeza de que se trata de un verdadero lenguaje que nació ya con voluntad de universalidad.

Artista multidisciplinar que utiliza toda clase de recursos para expresarse. Amante del dibujo y de los clásicos.

En su vertiente comunicadora, crea el programa de televisión ‘Pinceladas’, programa relacionado con el mundo del arte, resaltando también su importante aportación benéfico-social y premiado por ello, en la Academia de la Radio y Televisión Española.

En 1987 cambia su trayectoria artística y en su muestra en el Museo Municipal de BBAA de Santander, presenta una colección de cuadros de estilo expresionista abstracto. En 1992 es becada por la Diputación de Cantabria para un Proyecto en Alemania que se materializa en una exposición en el Fraüen Museum de Bonn. En 1994 es invitada por Ludwig Forum, Museo de Aagen (Aquisgran), a la Residencia de artistas, para trabajar durante el verano y luego mostrar su trabajo en el atelier del Museo. En los años 97 y 98 participa en colectivas comisariados por la galería Rizvan de Canadá y expone en Vancouver, New Jersey University y Lincoln Center de New York USA. Su última exposición ha sido en 2019 en Galería Orfila de Madrid.

Mi pensamiento íntimo queda reflejado en la obra en sus aspectos de búsqueda de “Lo Espiritual”. Espacios para el encuentro con la esencia de nosotros mismos, sirviéndome desde el punto de vista formal, de instrumentos compositivos que son ayudados por las tonalidades oscuras que interfiriendo con las ráfagas de luz, crean espacios ambiguos que en las personas que lo contemplan, inducen a experimentar, determinadas emociones.

Juan Ignacio Goitia Arbe

Ubicación: En las torres, planta 0, torre D

Pintor autodidacta, principalmente paisajista del natural, inicia su carrera en la década de los sesenta. Desde su primera exposición individual en 1977 hasta hoy, ha realizado más de un centenar de exposiciones, y participado en numerosos muestras nacionales e internacionales. Ha obtenido varios galardones en certámenes y pintura rápida.

Escenógrafo de teatro, ha participado en diversas producciones destacando su participación escenográfica en la obra «Cartas a las Golondrinas», premio MAX de Teatro en 2013.

Goitia Arbe es un pintor firme, seguro y con una especial facultad para pintar el agua, tanto de río como de mar, con colores sólidos, reales, que te hacen pensar en una naturaleza que respira el ambiente. Llama la atención su sentido de las proporciones y su precisión y sensibilidad en la pincelada. En sus oleos se combina la relación entre la ciudad y el mar, establece un vínculo entrañable de lo urbano y lo natural, del cemento y la arena…

Una obra en acrílico sobre papel que representa el vendaje, la fortaleza, consuelo, esperanza, auxilio y sanación.

Empeñados en tipificar la experiencia, decimos herida y acude venda, si sufrimiento, compasión abrazo o abrigo.

Pide el huésped de la casa grande una cama, cuidados y silencio que solo interrumpan palabras cargadas de esperanza. Resituar su estrella caída.

Toda piel es un laberinto de grietas finas y alargadas, nunca restañadas, una red viajada por el tiempo, ese signo de transformación de las cosas.

Escaba esas heridas es conocer, esto es, conocernos. Y a veces sin quererlo herimos.

Cuando eso ocurre, escondida bajo el tejido que cura, germina la semilla del consuelo.

El futuro extiendo su sombra sanadora por la habitación luminosa.

La paz, inundando campos de dolor. (Rafael Segura).

Fernando Bermejo

Ubicación: Entrada edificio 2 de Noviembre, Hospital Universitario Marqués de Valdecilla

Obra donada por el autor a la Fundación Marqués de Valdecilla, Medio Propio.

La pandemia del Covid-19, en su acelerada extensión desde su foco original chino a principios de 2020, provocó con extrema rapidez e intensidad enfermedades, muertes y mucho dolor y sufrimiento en la población, colocando también en situación considerablemente critico al sistema sanitario, además de poner a prueba al personal médico, hasta situaciones límites de resistencia, con peligro de su propia salud, con lo que la misma crisis devoraba a sus propios trabajadores, creándose un círculo vicioso muy difícil de romper.

En este contexto de enormes dificultades de todo tipo se han destapado sentimientos de solidaridad, individual y de grupo que creíamos adormecidos, cuando no casi extinguidos. Como en todo los aciagos momentos de crisis, las luces y sombras dibujan y perfilan las líneas y resalta los volúmenes íntimos del ser humano, expresando con cruda exactitud la amargura y desesperación de sus sentimientos más hondos, los gritos del hombre y del dolor, pero también mostrando la luz de la sonrisa y el brillo de la amabilidad en sus ojos, el color y calor de su enorme capacidad de amar de tender los brazos abiertos a los más necesitados en ambos lados de la vida y muerte.

Fernando Bermejo (Madrid 1949) artista muy reconocido por sus originales dotes plásticas y su capacidad de reflejar poéticamente la realidad, unas veces en un lado de la nostalgia, cuando no en la de la ironía, cuando no en el de la metáfora, pero siempre partiendo del fervor de una mirada cálida hacia el entorno más inmediato, al paisaje familiar y natural que lo ha rodeado en las diferentes estancias de su vida, ha querido rendir homenaje de admiración y agradecimiento al personal sanitario en estos tiempos de lucha y solidarizarse así con la aportación de su arte a la misma. Para ello nada mejor que las cuatro imágenes de sus admirados Beatles, sacadas de uno de los álbumes más importantes de su larga e intensa carrera musical, el White Álbum, de 1968. Las cuatro imágenes conforman, pues, un políptico de gran contenido simbólico, que ha llevado acabo siguiendo los pasos primero de su propia expresión pictórica, lo cual después, mediante la aportación fotográfica de Javier Lamela, el artista ha trasladado a un soporte nuevo impresas sobre planchas de metacrilato. El resultado sorprende para la exactitud con que ha llevado a los músicos a una nueva situación nunca pensada por ellos, ni tampoco por nosotros, siempre indeseable.

María Luisa Gómez Pelayo siguió al frente del hospital hasta su muerte en 1951. La Casa de Salud que fundó junto a su tío es hoy el Hospital Universitario Marqués de Valdecilla que, casi un siglo después, mantiene el espíritu de asistencia, investigación y docencia con el que fue fundado en 1929.

Fernando Calderón (Santander 1928- 2003) autor del retrato de la Marquesa de Valdecilla y de Pelayo, desde niño destacó por sus habilidades para el dibujo y la composición, recibiendo elogios de pintores de la talla de Picasso, Cocteau, Solana, Sert y Zuloaga. En sus inicios tuvo como profesores a los pintores montañeses Flavio San Román y al catedrático de dibujo del Instituto Santa Clara Juan José Cobo Barquera.

En 1970 es nombrado miembro de la Academia Brasileña de Bellas Artes; junto con Bernard Buffet, en Francia y Henry Moore, en Inglaterra. Ocupa la silla Velázquez. En 1975 se hace merecedor del primer premio de pintura durante la Bienal Internacional del Deporte en las Bellas Artes.

El grueso de su obra más representativa radica en la creación de grandes espacios murales: en el Consulado Español y en la Embajada Española en Roma; en el Hotel Castellana Hilton de Madrid; en el Panteón de los Duques de Alba, en Loeches; en el Castillo Museo de Ampudia, Palencia; en la Abadía de St. Osyth, en Inglaterra; en la Iglesia St. Andrew, en Estados Unidos; en el Museo de Arqueología e Historia de México; en la Iglesia de St. Paul, en Estados Unidos.

El resto de su obra se encuentra representada en innumerables colecciones oficiales y particulares en Europa y América, destacando las del Museo Vaticano, Museo Provincial de Santander, Biblioteca Nacional, Museo Español de Arte Contemporáneo, etc.

Eloy Velázquez es Doctor en Historia del Arte por la Universidad de Oviedo. Estudió grabado en Florencia y Barcelona. Su obra se encuentra en numerosos museos y colecciones privadas, tales como la Biblioteca Nacional de España, el Museo de Bellas Artes de Santander, Fundación Botín, Fundación La Caixa, Fundación Santa María la Real, Colección los Bragales, Colección Norte, Colección de la Universidad de Cantabria, etc.

Técnica: Madera tallada, ensamblaje y policromía.

Medidas: 230x1000x75 cm.

Más información de la obra «No Crossing»  en la web de Eloy Velázquez

Un tema que siempre es el mismo y siempre distinto (como las palabras de amor, siempre que no sean fórmulas convencionales, sino verdades hondamente sentidas). Un tema que no cambia, expresando con un lenguaje plástico en constante evolución, cada vez más matizado en los tonos, más sintético en la forma.”

Gloria Torner es una de las artistas clave en la historia de Cantabria de finales del siglo XX y comienzos del XXI. A partir de su primer exposición en 1964, realiza numerosas exposiciones en España y en el extranjero; La Galería Sur de Santander, Galería Kreisler de Madrid, Galería Glaub de Colonia, Alemania, Casa de Goya en Burdeos, o la casa de España en Paris.

Desde siempre Gloria Torner ha estado muy conectada con la música y la literatura. En los 70, Gerardo Diego le dedica Balcón de Mirada y Pepe Hierro La Fábula sobre la bahía de Santander. En 1975 se presenta el libro Gloria Torner en la voz de los poetas que incluye Homenaje de Jorge Guillén y Cantilena de Regino Saiz de la Maza y hasta 25 poemas desde la generación del 27 a los novísimos.

A finales de los 90 trabajo los grandes formatos en Macrobahías y en 1995 es invitada por la CEOE en la Connecticut Gallery de Washington, EEUU. En 1996 “Espace á Bleu”, Lycée Octave Feuillet de Paris. En el año 200 la Exposición-Homenaje Museo de Bellas Artes de Santander. En el 2004 recibe la Placa de Pintor Ilustre de la Asociación de Escritores y Artistas Españoles. En 2010 la exposición Gloria Torner: “Pájaro , ángel, avión, pintora del hiperespacio”, Homenaje a Maruja Mallo. Palacete del Embarcadero, U.I.M.P Santander. Y en 2014 Joie de Vivre en CASYC de Santander. En 2016 recibe el Premio Pick a los Valores Humanos, en 2017 el Premio honorifico de la Plataforma de Empresas Culturales de Cantabria PECCA. Y Premio de Honor Plaza Porticada 2017. En 2019 recibe la Medalla de Plata de la Ciudad de Santander. Su obra forma parte de numerosas colecciones y museos.

JOSÉ ANTONIO ANDRES VERA, es licenciado en Medicina por la Universidad de Zaragoza, residente y con ejercicio profesional desde 1989 en Cantabria, en concreto en el Ayuntamiento de Mazcuerras, donde ejerce de médico de Atención Primaria, habiendo desarrollado de forma autodidacta y de forma paralela su trayectoria artística como escultor, principalmente utilizando la madera como materia prima y vehículo de expresión artística. Su proximidad al entorno rural y natural condicionan que sean la naturaleza, la vida, lo orgánico, el cuerpo humano, el movimiento los flujos del aire y del agua, los ejes que persigue en los volúmenes y formas de su obra, persiguiendo en muchas ocasiones la abstracción pura que mejor defina las sensaciones. Sensaciones que persigue englobar, en todos sus facetas con la elaboración esmerada y pulida de los acabados.

Yolanda Novoa se licenció en Bellas Artes por la Universidad del País Vasco y obtuvo la diplomatura en Magisterio por la Universidad de Cantabria. Ha realizado seminarios, cursos y talleres de arte en la Universidad Internacional Menéndez y Pelayo, Universidad del País Vasco y Fundación Botín y fue becada en 2012 por la Fundación Foro Assilah en Marruecos. Sus creaciones se caracterizan por la levedad del color, la trasparencia, investigación de texturas y son un proceso de búsqueda constante que comienzan en la pintura dando paso a una expansión espacial hacia la instalación. Viene realizando numerosas exposiciones locales, nacionales e internacionales y ha participado en diversas Ferias de arte contemporáneo. También ha realizado ilustraciones del libro y escenografías para teatro. Su obra se encuentra en diversas colecciones como CASYC, Caja Cantabria, Fundación Assilah (Marruecos), Universidad de Cantabria, Universidad del País Vasco, Observatorio del arte (Arnuero, Cantabria), Casas de Cultura de Torrelavega y Castro Urdiales (Cantabria), Gobierno de Cantabria, Asociación de Prensa de Cantabria, la Vidriera (Camargo, Cantabria), Biblioteca Central de Cantabria, La Caverna de la Luz (Santander) y colecciones particulares en España y Portugal.

En una búsqueda de armonía entre ser y naturaleza emerge la instalación “latido” una suerte de partitura visual nos invita a reflexionar sobre la vida como un anhelo incesante de alcanzar el yo holístico, donde todo sus partes forman un mismo relato.

Joaquín Martínez Cano (RRSS)

Ubicación: Hall de las Tres Torres Valdecilla

El título de la obra “Argo” toma como referencia el nombre de la nave de los argonautas de la leyenda griega Es una alegoría al viaje, a la aventura y al esfuerzo colectivo. Está inspirada en el deporte tradicional del remo, en las populares regatas de traineras. Pertenece a una serie de obras realizadas sobre Kapaline que pretendían recrear mediante la técnica del vaciado de la superficie pictórica, el ejercicio de la memoria y sugerir la marca que dejan en nuestro recuerdo las percepciones y emociones más intensas.La aplicación del color mediante bandas o superficies secuenciadas, trata de evocar el paso del tiempo trasladándose por distintas ambientes y situaciones.

Joaquín Martínez Cano realizo sus estudios de Bellas Artes en las escuelas de San Carlos de Valencia y san Fernando de Madrid. En 1982 fue becado por el Centro de promoción de artes plásticas perteneciente a la Dirección general del patrimonio Artístico. Profesor titular de la facultad de Educación de la Universidad de Cantabria. Ha realizado numerosas exposiciones nacionales e internacionales. Su obra se encuentra repartida en diversas colecciones como en la del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, antigua Museo Español de Felipe de Oviedo, la Fundación Marcelino Botín, la Universidad de Palma de Mallorca, Colección Norte, Colección Ayuntamiento de Santoña, Colección Ayuntamiento de Miengo, Colección Ayuntamiento de Burgos, colección Sianoja, Circulo de Recreo de Torrelavega, Colección Caja Cantabria, Conservatorio de música “Jesus del Monasterio”…

En la obra, ha comentado, dotada de gran simbología, aparece también la figura de una mujer que representa tanto el dolor de la madre, como de la justicia y el sentimiento del pueblo español.

Pilar Cossío ha explicado que la obra ‘A la plenitud y el vacío’ trata de expresar sentimientos personales que experimentó en Valdecilla durante el período de enfermedad de sus padres, Eloina y Cipriano resumiendo una mezcla de dolor y esperanza vividos en esos momentos.

Además, ha señalado que en la obra el color y la luz tratan de trasladar al espectador al paraíso de la memoria, reflejando infinitas ventanas hacia la esperanza.

Juan Carlos Fernández Izquierdo

Ubicación: Las Tres Torres Valdecilla Norte planta 0.

Juan Carlos Fernández Izquierdo explora el cuerpo, el suyo propio, con motivo de su 50 cumpleaños, registrando el paso del tiempo, el “tiempo veloz”, de su propia orografía, un mapa mundi atravesado por meridianos invisibles y paralelos. El ojo de la cámara no parpadea para escribir y describir la biografía del artista.

Concha García Sánchez

Ubicación: Las Tres Torres Valdecilla Norte planta 1.

“Las alambradas cotidianas nunca encerrarán a los espíritus libres, solo lo simulan. Esta obra, en este hospital, recuerda con mucho cariño la vida y el trabajo de mi madre en él. Su vitalidad y fortaleza siempre pudo con todas la alambradas que aparecieron en su camino”. (A mi madre Concha Sánchez)

Esta obra en papel, pertenece a una serie de trabajos realizados por Concha García en los que la supuesta fragilidad del papel ocupa el lugar metafórico de la fragilidad del individuo. El papel hecho literalmente tiras, se recompone y emerge de la superficie con una fuerza casi escultórica, al igual que emerge el ser humano después de curar sus heridas.

Concha García ( Santander 1960) es doctora en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid. Presente en varios Museos y Colecciones públicas y privadas, tales como el Museo Nacional Reina Sofía, la colección de la Fundación La Caixa, el Museo de Arte de Santander, la colección Caja Burgos, el Museo de Arte Contemporáneo de Vitoria Artium, o el Centro de Arte Patio Herreriano de Valladolid. Su obra se desarrolla fundamentalmente en el campo de la escultura y la obra sobre papel.